中国画艺术是中国文化宝库中的一颗璀璨明珠。自古以来，它就像一条长河一样向前发展。虽然它有时狂躁，有时缓慢，但它从未中断。它一直在向前发展，向前发展，最终汇聚成今天如此浩瀚的艺术河流。在中国画的发展过程中，凝聚了一代又一代艺术家的探索和奋斗。在中国画的发展过程中，它吸收了印度佛教壁画、民间绘画、木版绘画、西方油画等多种营养物质。然而，它的意识形态基础仍然来自中国的儒家思想体系、佛教和道教。中国画强调形象的思维方式和写意的造型理念，追求兴趣和意境，追求人与自然与自然统一的理想境界。在中国画的笔墨中，它追求虚拟、真实、意境、魅力和气势。在绘画材料中，它总是以画笔、墨和宣纸为三个要素，探索线条的延伸、水墨的渗透和抽象意境。它基本上从三个方面来判断作品的优缺点：性格、意境和笔墨。在过去的一千年里，它基本上是一样的。正是因为它的评价标准、追求方向和思想基础相对不变，中国画才能在一千多年的历史中顺利发展。

在21世纪，作为当代中国画家，回顾中国画的历史，非常有必要探讨当代中国画在传承中的发展和创新。

一、中国画不断发展，在古代历史上不断创新。

我们首先回到战国时期，那是2000多年前。当时，丝绸绘画出现在丝绸织物上，以前有原始的岩石绘画和彩色陶器绘画。这些早期的绘画奠定了后来中国绘画的基础，以线作为主要的建模手段。在汉代和魏国南北朝时期，社会从稳定到分裂的急剧变化，域外文化的投入和当地文化的影响和融合，使这一时期的绘画形成了以宗教绘画为主的局面，描绘了当地的历史人物，并以一定比例的文学作品为材料。此时，山水画和花鸟画也发芽了。同时，我们应该有意识地把握绘画的理论，并提出一定的质量评价标准。例如，南朝画家张和尚提出了只有一两笔，就像已经回答和不周笔的概念。他的画作吸收了天柱的光环和染色方法，形成了张家样的风格特征。曹忠达在北周的厚叠衣服窄，他吸收了许多印度佛陀的特征，形成了曹家样。此时，人物画开始注重魅力，注重人物的精神气质描写。这种追求神像和魅力的方法是中国画形象和写意的表现，以谢和《画论》中的六种方法为主要美学规范，超越追求生动传统，为后世绘画奠定了发展道路。

隋唐时期，社会经济、文化高度繁荣，绘画也呈现出全面繁荣的局面。山水画、花卉和鸟类绘画已经发展成熟，宗教绘画已经达到顶峰，并出现了一种世俗的倾向；人物画主要是为了展示贵族的生活，并出现了具有《时代》特征的人物形状。唐代画家吴道子的作品具有天空飞翔，充满风的效果。他开发了中国画线条的表现，使其更加简洁和生动。画家张轩和周方的人物绘画生动地描绘了人物的内心情感，为徒手表达奠定了基础。

在第五代和第二代宋代，绘画进一步成熟和更加繁荣。人物的绘画已经转变为描绘世俗生活，宗教绘画正在衰落，山水画和花鸟画已经成为绘画世界的主流。第五代和第二代是花鸟画的成熟时期。花鸟画在素描的基础上，表达了人们的兴趣和情感，表达了画家的内心感受。这种自然和美的事物通过比星和其他艺术技巧与人们联系起来，以表达人们的感受，这是形象的思维方式。景浩的景观强调真实和相似之间的区别，注意魅力和意境的表达，这些都是中国画形象的反映。由于封建学者对山水画的需求，此时的作品注重对整体氛围、兴趣和意境的把握。马。马元和夏圭的作品在构图上留下了很多空白，虚拟和真实的结合，给了人们更多的想象空间，空灵，美妙。文人绘画的出现和后代的发展，极大地丰富了中国绘画的创作理念和表达方法。苏轼、米芾等人的作品都是自娱自乐的，追求更高的精神境界。他们的作品不寻求形状相似性，追求意境、兴趣和情感的表达，强调诗歌、书法和绘画的结合。由于禅宗的盛行，以梁正楷为代表的徒手人物绘画出现了。在这一时期，中国画的精髓形象和徒手表现得淋漓尽致。宋代绘画对意境的开发和发展对后代有着深远的影响。

元朝、明朝和清朝三代的水墨景观和徒手花鸟都得到了突出的发展。元代的文人画以山水画为大宗，依靠复古，寻找新的道路。他们古老而不是泥泞的古代。元朝的四位大师将古人的长处融为一体，融入自己的思想，形成自己的家庭。元代文人画墨竹和墨梅，寄托着文人的高贵和孤傲的思想情感。他们用意义来书写，大多是简单而美丽的。明末画家徐伟提倡书法入画，强调个性。清初，画家朱霞将徒手花鸟的形象发展到一个高水平，完全出自他内心世界的鱼鸟形象，这是他抒发感情的有力艺术语言。文人画已成为中国画的主流，但在它的结束时，它正朝着模仿的方向发展，越来越远离时代和生活。

二是近现代中国画的发展和创新仍在继承。

随着现代社会的变化，对中国绘画适应社会美学的需求提出了更高的要求。一是从西方学习，以西方绘画为参考的理解；二是从社会生活的需要出发，从现实的创造方法的需求出发。自19世纪末以来，中国画出现了许多流派和著名艺术家，在西方艺术的表达形式和艺术理念以及继承民族绘画传统的文化环境中不断改革和创新。

20世纪20年代和30年代，在中国画的传承和发展中，康有为提出了以复古为革命和以中西画为新时代的命题；徐悲鸿主张古代法律的好人应该遵守它，垂直的人应该遵守它，不好的人应该改变它，不足的人应该改变它，西方绘画的收藏家应该融入其中。徐悲鸿将西方绘画的现实主义融入传统笔墨中，丰富了中国画的表现；刘海粟提出发展东方固有的艺术，研究西方艺术的精英；林风眠提倡调和中西艺术，创造时代艺术。他调和了中西方艺术，汲取了民间艺术的朴素和活力，形成了自己独特的风格，具有深刻的意境和新颖的形式。岭南绘画学派画家，如高启峰之父，主张中外妥协，融合古代和现代，将日本绘画方法与传统水、粉色方法和无骨方法结合起来，创造出一种雄心勃勃、无拘无束、充满时代感的新风格。陈志佛将中外装饰艺术的色彩融入到工笔画和花鸟画的创作中，张大千学习了一些抽象表现主义的西方绘画方法，创造了绘画方法。

20世纪40年代末和50年代，人们聚焦于素描是否可以作为中国画造型的基础，以及如何看待中国画创新主题的笔墨技巧，探讨中国画的发展。这一时期的画家姜兆和、李可染、傅抱石、张丁、方增等大胆创新，展示了这一时期中国画艺术的巅峰。著名的长安绘画学校、石陆、赵望云等人提出了一只手向传统，一只手向生活的命题，用中国传统绘画技巧表达了现实生活，取得了较高的艺术成就。20世纪80年代中期，围绕改革、开放和现代的快速变化的社会环境，如何创新中国绘画，以适应时代的审美需求，在理论和实践上进行了深入的讨论。著名画家黄土画派创始人刘文喜，200多次来到陕北农村，展示农民的工作和生活与传统中国画笔墨和技术，展示艺术与时代的创新生活。著名画家吴冠中以中国画的工具材料和西方现代艺术的形式，以及中国画传统的诗情画境等概念。