李维渤的声乐学术理论贡献

作为一名声乐教师，李伟波除了完成繁重的教学任务外，还致力于学术理论。他翻译了美国著名声乐教师、声乐理论家威廉·文纳的论文《发展声音》，发表于1981年第五期《音乐翻译》和1983年2期《外国音乐参考资料》、《中央音乐学院学报》1995年第三期发表了三期合刊和威廉·文纳论文《美歌演唱中的几个对立统一的技术问题》。除了翻译论文，李伟波还写了几篇论文，并在《中央音乐学院学报》上发表，如下表所示:

李维波还翻译编写了许多书籍，由笔者收集整理，按时间排序，如下表所示：

在李伟波的许多声乐学术理论作品中，无论是翻译论文、工作，还是李伟波的论文和专注，都与李伟波国内外的学习经验和声乐教师多年的经验密切相关，这些声乐学术理论作品都反映了李伟波的声乐教学理念。

李维渤在论文《发声训练》中的四个“R“声音训练中有四个要素或四个方面，即声音训练，它们构成了声音训练的全貌。[3]李维渤在文章中提到的四个“R”指的是：Relaxation（放松）、Respiration（呼吸）、Registration（声区）、Resonance（共鸣）。在论文中，李维波提到，如果把声音训练比作建筑，那么在这四个要素中，放松是基础、基础、呼吸是基石、声音区域是框架、共鸣是建筑的外墙，这四个方面既独立又互补。这些概念在今天的声乐教育中起着很好的启发作用。例如，在今天的声乐教育课上，声乐教师通常强调声乐学生应该在学生的声音训练中“放松”。如果他们想训练其他声乐技能，他们应该首先基于“放松”。然而，有些学生只知道他们需要“放松”，但他们不知道如何正确地“放松”，或者他们是否真的“放松”。有的学生因为上课太紧张等心理因素无法“放松”，有的学生在参加舞台表演时由于“舞台恐惧症”或其他因素，很难真正放松。在本文中，李伟波向声乐教师和声乐学生解释了喉咙的生理结构和特征，使学习声乐的人能够清楚地了解喉咙，并提出了“放松”的方法：放松是紧张的对立，是一些紧张的缓解。要唱出美丽、自然的声音，就必须“放松”。懂得呼吸也是懂得唱歌的必要条件，能正确呼吸，也能正确发声。本文指出了学生在声乐学习过程中常见的呼吸问题，如在声乐课上，声乐老师强调学生的呼吸，而学生的呼吸越来越不足。在这方面，李伟波解释了人体与呼吸相关的生理结构，并提出呼吸的使用应柔和、平静、放松。歌手应该保持健康，以确保呼吸肌肉的能力。今天，一些声乐学生没有意识到保护呼吸肌肉，有不规律的饮食和生活习惯，甚至一些声乐学生吸烟，导致呼吸肌肉损伤。不良的生活习惯会对人的呼吸肌肉产生不良影响。从长远来看，不利于声音的发展。声乐学生应该注意这一点。至于声区，李维波认为训练有素的声音可以随意改变声区的声音，一个优秀的歌手可以使用的声音不止一种。也就是说，训练有素的声音不局限于一个声区，而是可以唱好每个声区，自由控制音量，保证音质。这种训练有素的声音启发了今天的声乐教学应该加强机制训练，不要过度使用重机制来获得大音量。当轻中机制的能力相对平衡时，声音的整体能力可以得到很大的发展，声乐学习过程中的声区问题会逐渐消失。在本文的最后一部分，李维渤阐述了共鸣。李维波生动地将人的发声器官比作管乐器，声带是乐器的弹簧或嘴，管道是人的共振腔。因此，共鸣对声音非常重要。人的共鸣腔包括咽腔、口腔或鼻腔。要正确调整共鸣腔，学生在唱歌时首先要吐字清楚，把母音唱得清清楚楚。训练有素的声音应同时突出两个峰值，即高共振峰（男声2800-2900赫，女声高至3200赫）和低共振峰（400-600赫）。应该放松、自由地唱歌，而不是紧张、僵硬地唱歌。“打哈欠”是四个“打哈欠”R在声音训练中一举多得的有效方法。[4] 　　在论文《声乐训练中关于音乐修养的几个问题》中，李维渤提出:“要成为一名歌手，必须是‘声音’、“乐”兼备，两者相辅相成。[5]从目前的实际情况来看，许多声乐学者或歌手只关注“声音”，认为良好的“声音”是完成声乐作品的必要条件。作者并不否认这一观点，但在注重“声音”的同时，也要注意“音乐”。如何做到“声”、“乐”兼备？文章提到，声乐学生和歌手在声乐练习过程中要注意唱歌的音准。语调问题非常重要，不容忽视，语调问题能反映歌手的基本声乐素养，如共鸣、呼吸等。此外，还有咬字。唱歌中的咬字是唱好声乐作品的重要组成部分。然而，汉字和外语在结构上有很大的差异。因此，吐字的规律也有差异。不同声乐作品的文化特征对发音也有不同的要求。在本文中，李伟波还解释了颤音、震音和抖音的区别。这三种声音的机制是相似的，但颤音、震音和抖音的艺术效果是不同的。因此，优秀的歌手不应该把这三者混为一谈，应该加以区分。在实际歌唱中，应该唱出差异。李伟波分别阐述了风格、装饰音、歌曲的艺术风格，展示了装饰音的发展历史，并提出了演唱装饰音的重要性。装饰音能体现作曲家的风格、时代和民族风格。至于歌曲的艺术处理，首先要遵循歌曲的原始速度，然后要把握歌曲的节奏，再准确地处理歌曲。最后，作者表示，唱歌的目的应该是“感人”，而不是“吓人”、“虚张声势”，要用适当的声音和演唱方式来表达歌曲的情感。这就是所谓的“声”、“乐”兼备。

在论文《漫谈美歌》中，李维渤系统地介绍了美歌。李维渤将Bel canto翻译成美歌，意思是“美歌与美歌的双重含义”[6]。李维波阐述了19世纪“美歌”的相关发展：19世纪初开始使用“美歌”一词；19世纪下半叶，由于瓦格纳的歌剧，“美歌”越来越受欢迎。人们常说的“美歌时代”是在17世纪末开始兴起，18世纪达到高潮，19世纪慢慢衰落。17世纪和18世纪流行的严肃歌剧是美国歌手的竞争舞台，阉割歌手是美国歌曲舞台上的“优秀产品”，在美国歌曲舞台上占据主导地位，在这个时代有很高的艺术造诣。除了阉人歌手，美歌时代还有一些优秀的女歌手。18世纪，比较优秀的女歌手可以与阉人歌手相比，与阉人歌手分享荣誉。随着阉人歌手的逐渐衰落，女歌手继续发展。然而，男歌手在美歌时代的处境却不同于阉人歌手和女歌手。随着阉割歌手的兴起和发展，阉割歌手取代了男高音歌手最初的表演角色，男高音歌手逐渐失去了最初的崇高地位。当美国歌唱风格下降，阉割歌手不再受到人们的喜爱和追捧时，男歌手可以重新成为舞台的亮点。而美歌的唱风应该是舒展、流畅、圆润的。随着社会的快速发展，美国歌唱风格已经衰落了100多年。20世纪50年代，美国歌唱风格恢复，作者相信会有更多的年轻人继承美国歌唱风格。